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enero 29, 2018

Se apagó el sonido de Hugh Masekela



El trompetista sudafricano Hugh Masekela falleció el pasado 23 de enero en Johannesburgo, tras una larga lucha contra el cáncer, a la edad de 78 años.

"Un padre, un hermano, un abuelo y un amigo cariñosos, nuestros corazones laten con una profunda pérdida", escribió la familia de Masekela en una nota publicada en sus cuentas de redes sociales. "La contribución y participación global y activista de Hugh en las áreas de la música, el teatro y las artes en general está contenida en la mente y la memoria de millones en los seis continentes".

La carrera de Masekela se remonta a la década de 1960, ya que el apartheid todavía era una parte cotidiana de la sociedad sudafricana. Con la música, fue capaz de trascender el estado de derecho racista y se convertiría en un intérprete de fama internacional, colaborando con artistas como The Byrds y Paul Simon.

Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961 instalándose en Estados Unidos, donde su carrera profesional despegó. Allí, su estilo musical, mezcla de pop y jazz africano, tuvo buena acogida, llegando a fundar su propio sello discográfico con el nombre de Chisa. A finales de los años sesenta, su canción “Grazing in the Grass” de su disco The Promise of a Future tuvo gran éxito y difusión, llegando al número uno de la lista estadounidense de Billboard en julio de 1968 y siendo nominado a los Premios Grammy. Masekela colaboró, entre otros, con Fela Kuti y Paul Simon.

Casado entre 1964 y 1966 con Miriam Makeba (1932-2008), la legendaria cantante, actriz y activista, una de las más importantes representantes de la lucha contra el régimen del apartheid fuera de Sudáfrica. Masekela, también lucho contra el apartheid. De hecho, uno de sus éxitos más conocidos, "Bring Him Back Home" (Traedlo de vuelta a casa), aparecido en 1987, se convirtió en la canción utilizada por Nelson Mandela, durante la gira mundial que realizó tras su salida de prisión.


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diciembre 14, 2017

El espíritu flamenco de Chick Corea


El flautista Jorge Pardo y el tecladista Chick Corea.

El interés de Chick Corea por la música española estaba bien documentado en el álbum My Spanish Heart, y continuó poniendo su propio sesgo con Touchstone, que incluía dos temas con el desaparecido guitarrista flamenco Paco De Lucía y el bajista de De Lucía, Carles Benavent. Dos décadas más tarde, durante una gira por Europa, Corea se reencontró con Benavent y otros dos ex-saxofonistas / flautistas de De Lucía, Jorge Pardo, y el percusionista Rubem Dantas. De esta reunión casual surgió un nuevo proyecto, Touchstone, con una gira europea en 2004, la fuente de Rhumba Flamenco.

My Spanish Heart es un precedente para Touchstone, que también incluye al veterano colaborador de Corea Tom Brechtlein en la batería. Pero este quinteto tiene una afinidad más fuerte por las ricas complejidades y sutilezas rítmicas de las raíces españolas, y específicamente flamencas, de las composiciones de Corea que el grupo central del álbum My Spanish Heart. Y la naturaleza acústica de Touchstone da cuenta de un vínculo más fundamental con el estilo orgánico de su origen.

Disfruten esta versión de Spain en vivo desde Barcelona, con Corea junto a un equipo de maestros, entre los que destacan Pardo y Benavent, dos veteranos del jazz flamenco.


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diciembre 12, 2017

La disrupción de Bossacucanova



Bossacucanova es una de las buenas bandas brasileñas que re-versionan a el bossa, sumando más instrumentos y algo de “maquinaria”. Esta agrupación, nacida en Río de Janeiro en 1998, proviene de la verdadera escuela del bossanova pero hace una fusión inteligente con la música electrónica.

Heredó lo mejor de Roberto Menescal, compositor de clásicos como O Barquinho, Ah, Se Eu Pudesse, Errinho à Tôa, Nós e o Mar, Rio, Você y Vagamente, quien es, además, uno de los grandes fundadores del género junto a Chico Buarque y otros tantos que ahora rondan los 70 años pero están dejando su legado en buenas manos. En el caso de Roberto, en las manos de su hijo, Marcio Menescal.

Pero para ponerle candela, padre e hijo incorporaron al DJ Dalua y a Alexandro Moreira. El resultado es lo más granado del electro bossa actual, que ha permeado a artistas de todo el mundo, principalmente en Europa y Japón.

Disfruten de este maravilloso sonido y de la versión que hacen de la icónica Garota de Ipanema.


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diciembre 11, 2017

Jim Hall en la memoria del jazz



El legendario  Jim Hall desarrolló un sonido único a la vez que mostró una innovadora perspectiva desde la cual encarar la guitarra eléctrica. influenciado más por saxofonistas como Sonny Rollins, Coleman Hawkins o Lester Young que por otros guitarristas.

Hace cuatro años, en esta fecha, seis días después de su cumpleaños, Hall fallecía a los 83 años, convertido en uno de los más influyentes, creativos y admirados gigantes de la guitarra en el jazz, luego de disfrutar de una larga, extraordinaria e incansable vida musical, en la que se mantuvo activo hasta sus últimos días-

En los años 60, ya en Nueva York, Jim Hall organizó un trío con Tommy Flanagan y Ron Carter, al que reemplazó con Red Mitchell pocos años después. También tocó y arregló música para shows de televisión por esos días.

En 1962 grabó con Bill Evans, a dúo, el célebre álbum Undercurrant, que se ha transformado en un disco de colección.

A partir de esa época Hall tocó con más y más músicos contemporáneos que iban surgiendo en la escena del jazz, incluidos Wayne Shorter, Chris Potter, Michel Petrucciani y Bill Frisell. Presentó festivales de jazz en Nueva York, que incluían a los guitarristas  Pat Metheny y John Scofield, con quienes también tocó.

Grabó álbumes solo y a fines de los 90 estaba tocando en quinteto con Joe Lovano. Continuó participando en festivales de jazz hasta muy poco antes de su muerte y su última grabación la hizo en el año 2008.

Jim Hall es hoy un hito en la historia del jazz en general y de la guitarra en particular; su legado puede sentirse en cada nota tocada por John Scofield, Pat Metheny, Bill Frisell y en cualquier músico que haga de la austeridad y la libertad sus banderas.


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diciembre 04, 2017

El sonido cristalino de Wolfgang Muthspiel




El guitarrista austríaco Wolfgang Muthspiel encabeza un estelar quinteto que incluye, además, de él en las guitarras eléctrica y acústica, a Ambrose Akinmusire en la trompeta, Brad Mehldau en el piano, Larry Grenadier en el contrabajo y Brian Blade en la batería.  

El nuevo material, Rising Grace, editado en 2016, comprende diez composiciones originales, nueve de ellas llevan la firma de Wolfgang Muthspiel (Rising Grace, Intensive Care, Triad Song, Father and Sun, Superonny, Boogaloo, Ending Music y Den Wheeler, Den Kenny, esta última en tributo al trompetista Kenny Wheeler) y la restante –Wolfgan’s Waltz- pertenece a Mehldau. El álbum fue publicado  por intermedio del sello discográfico ECM Records.  

Muthspiel acredita una prolífica labor como solista y músico de sesión. Tras completar su sólida formación académica –que incluyó estudios de guitarra clásica y de jazz en su país natal y maestrías obtenidas en el New England Conservartory y el Berklee College of Music– tuvo la oportunidad de reemplazar a Pat Metheny en el cuarteto de Gary Burton. En los años siguientes trabajó junto a reconocidos jazzistas como Dave Liebman, Paul Motian, Gary Peacock, Bob Berg, John Patitucci y Don Alias y también colaboró con la afamada cantante noruega Rebbeka Bakken.


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noviembre 28, 2017

Michael Wollny: un pianista sin esquemas



Michael Wollny es un genio del piano alemán que mezcla épocas, estilos y países sin prejuicios, un hombre que sigue buscando nuevas fuentes sin asustarse ante nada. Un tío libre capaz de improvisar sobre cualquier tema. La suya es una música que tiene mucho que ofrecer al oyente aventurero. Debemos decir que no es un tipo de música que gustara a todo el mundo, tiene un público muy definido, aquel dispuesto a investigar y disfrutar.

La crítica considera su trabajo sublime tanto como solista como en formato trío. Wollny representa desde hace unos años ese algo nuevo que siempre tiene el jazz, especialmente en Europa como territorio de creación. Sus influencias abarcan a Johann Sebastian Bach, Franz Schubert, el romanticismo alemán y el compositor francés Olivier Messiaen.

Escúchenlo, acompañado por Emile Parisien (Saxo Soprano), Vincent Peirani (Acordeón), Andreas Schaerer (Vocalización y Sonidos), con el tema Ukuhamba, que estña incluido en su álbum Out of Land on ACT Records. Un sonido sin esquemas. 


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octubre 31, 2017

Dianne Reeves: la última gran diva



Una de las mejores cantantes de jazz desde finales de los 80 del siglo XX, Dianne Reeves es la sucesora de las grandes divas del jazz vocal femenino como Sarah Vaughan, Dinah Washington o Carmen McRae. Sus discos son, para muchos, lo mejor que ha acontecido en el jazz vocal en las últimas décadas, sobre todo los álbumes I Remember, The Grand Encounter, The Calling: Celebrating Sarah Vaughan y A Little Moonlight.

Ha grabado con luminarias de la talla de Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans, y Kenny Barron.

Dianne Reeves sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.


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La genialidad de Richard Bona



Nació en 1967 y creció en el seno de una familia en la que reinaba la música. A los 22 años deja África para vivir en Paris, para finalmente instalarse en New York en 1995 donde reside actualmente.

Desde que Joe Zawinul lo descubriera en 1992 mientras tocaba en un club de Paris, Bona ha trabajado con los más importantes músicos de la escena neoyorquina: Mike Stern, Chick Corea, Bobby McFerrin, Branford Marsalis, Pat Metheny, entre otros. Lo ha hecho abarcando una amplísima variedad de registros estilísticos, que van desde el jazz hasta el funk o el pop mostrando su talento tanto en sus presentaciones como solista, con la Jaco Pastorius Big Band o con otros artistas, y en una breve pero intensa discografía.

En 1997, se impuso rápidamente con Scenes from my life su primer álbum, considerado unánimemente como un trabajo exquisito que vendió más de 30.000 copias casi sin publicidad. Los siguientes discos, Munia (2003), African Tale (CD, DVD 2005), Tiki (2006) y The ten Shades of Blues (2009), su último trabajo próximo a editarse en Argentina, terminan de posicionarlo como un músico diferente en la amplia escena del jazz y lo revelan como un compositor refinado y con estilo propio.

Por supuesto, siendo de Camerún su herencia juega un rol importante en el lenguaje de Bona en su doble vertiente de compositor y músico.

Las letras de sus canciones, que interpreta en su lengua natal, el douala (aunque también acude al francés y el inglés) narran experiencias con una decidida connotación universal.


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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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